MEJOR... IMPOSIBLE

AÑO: 1997.

PAÍS: EEUU.

DIRECTOR: James L. Brooks

REPARTO: Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding Jr., Skeet Ulrich, Shirley Knight, Jesse James, Lawrence Kasdan, Yeardley Smith, Lupe Ontiveros, Maya Rudolph, Tara Subkoff, Lisa Edelstein, Jamie Kennedy, Harold Ramis, Julie Benz.

GÉNERO: Comedia. 

Transtornado. Obsesivo. Compulsivo. Desagradecido. Irritante. Insensible. Exagerado. Tiquismiquis. Homofobo. 

Estos son sólo algunos de los muchos adjetivos que podrían atribuirse a la personalidad de Melvin Udall (Jack Nicholson) en esta famosa película que nunca me canso de ver. 

No todas las películas tienen mis elogios, en este blog puede parecer que todo lo que veo me encanta, pero en realidad es todo lo contrario: de todo lo que veo, muy poco me gusta, pero lo poco que me gusta suele gustarme de verdad. 

Hablemos del verbo Gustar. 

¿Qué pasaría si nada te gustase lo suficiente porque eres incapaz de definir el verbo amar en todas sus facetas? 

Mejor... imposible gira en torno a esta pregunta. Melvin es incapaz de definir este verbo porque tiene el corazón más duro que una Diorita. Se trata de un personaje muy impasible en contraposición a la caracterización psicológica de Carol Connelly (Helen Hunt) y Simon Nye (Greg Kinnear) vulnerables a los problemas y capaces de llorar y expresar sus conflictos abiertamente. 

El Blanco y el Negro se hacen visibles, mostrando una cara A, llena de desprecio, manías y trastornos, y una cara B, llena de alegría, trabajo y metáforas. La cinealidad de la película es sin duda la forma de compensarlo, dando cada vez más importancia al paulatino cambio psicológico de Melvin gracias a la acción de sus nuevos amigos y un risueño perrito que le inyectará la primera vacuna, la principal y más importante dosis de amor y cariño, remarcando la importancia en su dulce veneno de la compañía durante nuestra existencia. 

Ya lo dijo Hubert Ries "Cuando hay un perro cerca, las personas se vuelven más humanas".

Melvin llegará a ser un Superhombre en este Eterno Retorno que es la vida, capaz de escuchar a los demás, "queriendo ser mejor persona" alejándose de sus tabúes y obsesiones, mejorando sus besos y su gusto por ellos, acogiendo al necesitado y haciéndonos cambiar, a nosotros los espectadores, nuestra opinión sobre él: "Melvin en realidad es un trocito de pan de nube tostadito"  

Sólo le faltaba... eso... amar un poquito. 

REVOLUTIONARY ROAD

AÑO: 2008.

PAÍS: EEUU.

DIRECTOR: Sam Mendes. 

REPARTO: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Michael Shannon, Kathryn Hahn, David Harbour, Dylan Baker, Richard Easton, Zoe Kazan, Jay O. Sanders, Max Casella, Ty Simpkins

GÉNERO: Drama. 

¿Qué hubiese pasado si Jack hubiese cabido en el trozo de madera en medio del Atlántico? ¿Qué tipo de vida hubiesen llevado Rose y Jack si hubiesen bajado juntos del Titanic? ¿Hubiese continuado eternamente ese amor incondicional, lleno de pasión, juventud y belleza? 

No. Hubiesen tenido problemas, como los tenemos todos. Hubiesen tenido que cambiarle los pañales sucios a su hijo y fregar platos como todos, solucionar disputas como cualquier pareja y soportar la rutina de la convivencia. Sino que se lo pregunten a Sam Mendes, un director de cine capaz de cargarse todo ese romanticismo excelso con tan sólo una frase, pronunciada por April en "Revolutionary Road": 

"Míranos, hemos caído en el mismo ridículo engaño: eso de tener que renunciar a la vida, sentar la cabeza al tener hijos" 

En efecto, es una película devastadora por tratar temas tan delicados como son los sueños o las frustraciones, eso que a menudo todos los humanos tenemos pero que intentamos ocultar por miedo o vergüenza. Resolverlo y retratarlo con tanta maestría es su cinealidad. 

Los Wheeler, Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, parecen una pareja ideal, enamorada, que busca una soleada casita por Connecticut para criar a sus retoñitos entre césped y nubes de algodón. Toda su vida gira en torno a la búsqueda de la estabilidad, olvidándose que las soluciones que encuentran para forjar estructuras y normas no hacen más que alejarles de su espíritu primitivo: vivir, ser lo que uno realmente desea ser, sin ningún tipo de careta, caretas que nos hacen parecer payasos por querer mostrar constantemente lo muy felices que somos con todo lo que tenemos, cuando a menudo todo eso que tenemos y mostramos es lo que más infelices nos hace. 

¿Existe un equilibrio entre las posesiones materiales y la felicidad? ¿En qué medida necesita el ser humano tener exceso de pertenencias y recursos para vivir sin sentirse esclavo de ello, asegurarlo todo, y dejarse 3/4 de la nómina? ¿Es la riqueza o el ansia de tenerla lo que nos hace ver el mundo en el que no vivimos más exótico y atractivo? ¿Cuál es la solución para no convertir algo tan bonito como es un sueño en algo tan feo como es una frustración? 

Sólo se me ocurre una cosa: tener mucho cuidado. 

WAR HORSE

AÑO: 2011.

PAÍS: EEUU.

DIRECTOR: Steven Spielberg. 

REPARTO: Jeremy Irvine, Emily Watson, Peter Mullan, Niels Arestrup, Tom Hiddleston, David Thewlis, Benedict Cumberbatch, Celine Buckens, Toby Kebbell, David Kros.

GÉNERO: Bélico, Drama. 

Michael Morpurgo escribió una novela excelente, de la cual nació esta maravillosa película que tuve la ocasión de ver ayer en la Sala Chomón de la Filmoteca de Cataluña, una película cargada de emociones,sentimientos para nada cursis, al compás de John Williamns en estado puro, y cuyo protagonista es un caballo llamado Joey que se ve obligado a pasar de mano en mano durante la Primera Guerra Mundial como Caballo de Guerra. 

Me gustaría poner énfasis en este actor animal. Es sin duda alguna la genialidad de la película del Gran Spielberg. Considero genuina la estrecha relación entre Jeremy y Joey, el silencio de su diálogo y el poder de sus miradas, enmarcadas en un espléndido escenario lleno de luz y color, aunque las nuves negras que se avecinan presagien la llegada de un turculenta guerra que encaminará a los protagonistas a un viaje emocional... A un laberinto lleno de mensajes despiadados, compasión, ratas, hambre, amistad, trincheras, amor, apuestas, etc., todo ello en el mismo saco, mezclado sin razón alguna. 

Por fin un homenaje de verdad a todos los caballos que murieron en las Guerras... Un elemento a menudo accesorio en las películas de género bélico.   

Sin duda, Joey es un caballo que emociona, sobre todo a aquéllos que hemos viajado tanto a lomos de este animal, recordándonos lo bonito que se ve el mundo desde ahí arriba, y lo fantástico que es tener amigos de semejante calibre: capaces de enviarte a la mierda con un sólo gesto o de decirte el afecto que te tienen con un sólo resoplo, ya sea en tiempos de paz o en tiempos de guerra, o lo mismo que decir: en las buenas, y en las malas!

Me quedo con la frase:

"Te puedo odiar más, pero nunca amar menos"

 

LA DUDA

AÑO: 2008.

PAÍS: EEUU.

DIRECTOR: John Patrick Shanley.

REPARTO: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Viola Davis, Lloyd Clay Brown, Joseph Foster, Bridget Megan Clark, Lydia Jordan.

GÉNERO: Drama, Intriga. 

Un denso y profundo relato, inteligente y abrumador, que gira en torno a la reflexión sobre la duda. Aquel sentimiento de incertidumbre que experimentamos cuando no somos capaces de declinar entre dos partes diferenciadas.

La genialidad de esta cinta radica en sus actores y la fuerza de su voz. Especialmente Meryl Streep, como directora de un centro escolar cuyo trasfondo ideológico es la religión y la disciplina. ¿Su meta en la película? Desenmascarar el Mal evitando las trampas de la duda ¿Su método? Ser fiel a su intuición y perspicaz inteligencia. 

Y es que la rigidez extrema de su rostro, su espíritu insaciable e incompasivo, capaz incluso de alejarse de su propio Dios por dar a luz a su verdad, convierten a la consagrada actriz en un referente profesional calificado y tan polivalente que cuesta de creer!  

¿Quién es capaz de interpretar con tanta maestría en menos de cuatro años a una jefa venerada y repelente de una revista élite de moda, cantar los grandes hits de ABBA en un musical cinematográfico, encarnar a Margaret Thatcher, o a una reconocida y encantadora chef? 

Nadie, sólo ella, y de ésto no tengo la menor duda. 

BIG FISH

AÑO: 2003

PAÍS: EEUU

DIRECTOR: Tim Burton

REPARTO: Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange, Alison Lohman, Helena Bonham Carter. 

GÉNERO: Aventura, Drama, Fantasía. 

Dicen que "el hombre ve de forma diferente las cosas en distintos momentos de su vida" A esta frase no le falta razón alguna. Cada vez que leo El Principito de Antonie de Saint-Exupéry me propongo nuevos retos y objetivos, y lo mismo me pasa con Big Fish. 

Más que una película con una trama cuadrada, es una filosofía de vida en la que la incredulidad se enfrenta a la fantasía generando entonces un choque de identidades. Tantas veces he creído en la ficción como en la realidad, confundiéndolas, metiéndolas en el mismo saco, utilizándolas a mi antojo, olivándome de quién soy: un pez de mediano tamaño en constante crecimiento. 

Porque mi objetivo último es llegar a ser Grande, acabar de construir mi balanza especial donde calibrar y controlar mis impulsos para darle a la fantasía y a la realidad el equilibrio que se merecen, y para ganar en espacio; un espacio enorme donde poder expresarme sin limitaciones, miedos o presiones!

LITTLE MISS SUNSHINE

AÑO: 2006

PAÍS: EEUU

DIRECTOR: Jonathan Dayton y Valerie Faris

REPARTO: Abigail Breslin, steve Carell, Toni Collete, Greg Kinnear, etc. 

GÉNERO: Comedia

¿Recuerdas cuando eras pequeño y no tenías miedo de nada? ¿Cuando soñabas con cantar como Bon Jovi, bailar como Michael Jackson o actuar como Brad Pitt? ¿Cuando te creías capaz de competir hasta con el mismísimo Hulk? o ¿Cuando pensabas que el ridículo y el fracaso era algo que sólo le pasaba a los mayores? 

¿Quién nos ha cambiado? ¿Por qué dejamos de comer helado por miedo a ver los gramos aumentados cuando nos citamos con la báscula? Si! Aquel aparato que controla nuestro día! ¿Quién programó nuestra vida en sencillos pasos? ¿Quién le quitó la Magia a la Incertidumbre? Pero sobre todo ¿Quién diablos nos hizo creer que las desventuras no son una aventura de aprendizaje? 

Esta desbaratada comedia llena de malaventurados personajes es un golpe bajo para la Prepotencia: dando a relucir la posibilidad de que un padre fracasado que habla de éxito con soltura, una madre desdichada e impotente, una hija gafotas y rechoncha que sueña con ganar un concurso de belleza, un hijo friki y mudo por voluntad propia, un soez abuelo que esnifa heroína, y un tío homosexual y con tendencia al suicidio, formen un talentoso equipo y le den un vuelco a su infortunio riéndose del clasicismo, el despotismo y la superficialidad que se esconde entre Rímel y coches caros! 

Cinema en Curs

Esta semana he tenido la especial oportunidad de ver las películas que se han producido para la muestra de "cinema en curs" en las sala Chomón de la Filmoteca de Catalunya.

Logo de cinema en curs

Se trata de un programa pedagógico que integra cine y escuelas e institutos. Este año se celebraba la novena edición, una exitosa edición en la que han participado más de dos-mil quinientos niños y jóvenes de 3 a 18 años: que han realizado en grupo un intensivo curso y una serie de talleres impartidos por un conjunto de docentes expertos y un cineasta. Después de la elaboración de los talleres y visionados seleccionados de muchos fragmentos cinematográficos se realizaron los guiones, la planificación, el rodaje y el montaje de las películas que se proyectarían en la muestra. 

El proyecto está gestionado y coordinado por una de las entidades que dirigen algunas actividades que forman parte del programa educativo de la Filmoteca para las escuelas: la Asociación Cultural A Bao a Qu. Sin duda, una institución cultural que trabaja de forma muy activa y profesional en el sector cinematográfico. 

Además, el proyecto goza de un sinfín de sponsors y colaboradores que lo convierten en algo mucho más sugerente: en una red se sinergias culturales. Algunas entidades colaboradoras son por ejemplo la ESCAC, la cinemateca Francesa, la UPF, la Fundació SGAE o la Fundació Espavila. 

En la primera parte de la muestra los alumnos presentaron sus películas, generando con sus aportaciones y explicaciones sobre el desarrollo interesantes espacios de intercambio entre los otros grupos y escuelas que participaron. 

Me sorprendió de manera muy especial la profesionalidad con la que elaboraron todos sus trabajos -cabe mencionar que de la mano de profesionales-. La gran mayoría decidieron trabajar el tema de la soledad, de la inapetencia o esfuerzo para estudiar y sobre la necesidad de hacerlo, de conflictos emocionales o sobre el tema del primer amor. 

Utilizaron el lenguaje cinematográfico de forma muy coherente, empleando movimientos de cámara -como el travelling o panorámicas- muy precisos. La iluminación también aprendieron a estudiarla y usarla de forma soberbia, retratando a menudo en sus documentales o cortometrajes de ficción el paso del tiempo del atardecer al anochecer, por no mencionar la coherencia en la estructura narrativa y su temporalidad, unas veces manejada de forma lineal, y otras, incluso, paralela.

Los alumnos tampoco vacilaron  en dar referencias sobre  los antecedentes de sus proyectos y las fuentes de influencia: tales como Gus Van Sant, Orson Welles, Charlie Chaplin o Jean-Luc Godard, dando así mayor consistencia y credibilidad a su trabajo como cineastas. 

Alumnos haciendo la presentación de su cortometraje

Toda la muestra, en general, fue productiva para los participantes, pero también para los espectadores como yo!  Un tipo de espectador que no dudó en llevarse la libreta y el boli para anotar todos los comentarios de los alumnos y así poder incluirlos en su Memoria de Proyecto de Final de Master!

Allá vamos, de cara a la recta final! 

Catalogando

Desde el Departamento de Servicios Educativos también se trabaja para que los estudiantes aprendan sobre las técnicas y aparatos que utiliza el cine para llevar a cabo una película.

En el "Espacio Caralt", lugar donde hay una exposición permanente, se realizan algunas actividades didácticas, como por ejemplo "cinema més queimatges en moviment", para que los estudiantes comprendan las funciones y mecanismos de proyectores, o aparatos visuales que forman parte de la historia de la cinematografía (praxinoscopios, fenaquitoscopios, zootropos, sombras chinescas, etc). 

Ahora que ya hemos acabado todas las actividades del curso 2013-2014, estamos empezando a programar las actividades del siguiente, reforzando aprendizajes como estos, tan importantes como la lectura y reflexión sobre contenidos a partir de proyecciones audiovisuales.  

Desde el Centro de Conservación y Restauración de la Filmoteca de Catalunya, nos han llegado una serie de piezas que estamos catalogando y definiendo para utilizarlas como elementos y objetos interactivos durante las actividades, por ejemplo, en el espacio de la exposición permanente: para así crear entornos de aprendizaje dinámicos y proactivos entre los estudiantes de segundo ciclo de primara o primer ciclo de la ESO (adaptando siempre los contenidos y el discurso a los currículums). 

Algunas de estas piezas nos sirven para explicar cómo se manipulan las películas una vez ya están producidas, cómo se recortan, empalman y adhieren las cintas. Otros nos sirven para saber cómo funciona un proyector, otros para aprender sobre formatos y mm, y otros para saber cuáles son las técnicas y mecanismos de conservación de un material tan sensible y frágil como el celuloide. 

Son herramientas muy prácticas para crear discurso durante las actividades en las que forman parte, herramientas pedagógicas que los alumnos podrán tocar y manipular para entenderlas de verdad a través de los cinco sentidos! 

         

Lupa profesional

Empalmadora de 35 mm

Empalmadora de 8 mm

Bombillas de Projector Pathé Baby de 9,5 mm

Latas de diversos tamaños y orígenes

Lata y bobina para proyectar películas de 9,5 mm

Empalmadora de Súper 8 automática

Aparatos Pathé Baby para trucar el celuloide

Fotómetro dual con célula de selenio

Acetona Cinecol para adherir films

Le Havre

NOMBRE: LE HAVRE
AUTOR: AKI KAURISMÄKI
INTERPRETACIÓN: ANDRÉ WILMS, KATI OUTINEN, JEAN-PIERRE DARROUSSIN, BLONDIN MIGUEL, ELINA SALO. 

GUIÓN: AKI KAURISMÄKI

MONTAJE: TIMO LINNASALO

FOTOGRAFÍA:TIMO LINNASALO

PAÍS: Francia, Alemania, Finlandia.

Hoy, en la Filmoteca de Cataluña, hemos llevado a cabo una sesión para alumnos de secundaria muy interesante. Cuesta decir que una actividad didáctica donde se utiliza el cine como recurso mediático no lo sea, y en este caso, mucho menos. El cine tiene infinitas posibilidades, diferentes puntos de enfoque y perspectivas. Además... tiene esa terrible y encantadora capacidad de generar debates, entre libretas y bolis y cervezas, no hay un término medio, todos hemos hablado de lo mal que lo hizo SANDRA BULLOCK en la comedia romántica dominguera "Mientras dormías" y de lo bien que lo hizo en "Gravity", o de lo bien que cae QUENTIN TARANTINO, de las risas que nos hemos gastado con LESLIE NIELSEN, de lo mucho que nos hemos acojonado con STEVEN SPIELBERG o RIDLEY SCOTT y de lo mucho que hemos llorado con STEPHEN LINDSEY o EDWARD ZWICK. 

La cuestión, única y verdadera, es que el cine ha nacido para hacernos soñar, imaginar y conocer el fabuloso mundo que nos rodea...

"Le Havre" es una película que narra la historia de un encuentro fortuito entre un niño (IDRISSA) en situación administrativa irregular y un hombre que trabaja limpiando zapatos por la ciudad (MARCEL MARX). Dicha relación hará que se  estrechen los vínculos de la comunidad de vecinos, que deciden defender la vida justa y seguir su propia moral, por encima de la ley escrita. 

IDRISSA es un inmigrante ilegal, que tendrá que luchar contra el estado y su voracidad armado sólo con su valor y la compasión de los vecinos del hombre que decide cuidar de él, MARCEL MARX. En esta relación, que coincide con la enfermedad terminal de su mujer, ARLETTY, nacen unos vínculos de solidaridad retratados a través de un lenguaje cinematográfico que se aproxima mucho a la fotografía: planos detalle y generales duraderos.  

KAURISMÄKI consigue retratar a la perfección cada plano de una manera un tanto minimalista, sin pomposidad ni patetismo, reflejando la realidad pura y dura a través de miradas algo desnaturalizadas. Los PERSONAJES son serios, como BUSTER KEATON, pero a veces consiguen incluso hacernos reír. 

Sin duda, el autor consigue también generar empatía sin exagerar el género dramático y sin llegar tampoco al extremo de la comedia frenética, así como también trabajar el color y el encuadre con talento y detalle, mostrando el azul del mar en contraposición al cielo y la atmósfera nublada del puerto, los marrones de la madera vieja, el rojo vivo del rock and roll, el amarillo de las flores y del vestido de su mujer, salvada de su enfermedad gracias a un milagro...

KAURISMÄKI a todo esto nos dice: 

"Si ves algún tono rojo llamativo quiere decir que aquel día me había levantado de buen humor. Sino, los grises y los marrones triunfan en mi cabeza" 

No perdáis la oportunidad de verla, es una apuesta segura donde se barajan temas tan amplios y diversos como la persecución policial, la inmigración, la soledad, la enfermedad terminal, la justicia o la moralidad...

El cine, hechizo, seducción, encanto...

Dibujos, trucos y magia! El cine está lleno de posibilidades, de invenciones y secretos que se esconden ensimismos. Comprenderlos implica descubrir la ficción que se encuentra detrás de todo ese encanto y ensueño, comprender el cine en todas sus facetas, y en consecuencia, enriquecer la sabiduría. 

Los efectos especiales y los trucos vienen de tiempos remotos. GEORGES MÉLIÈS y SEGUNDO DE CHOMÓN son algunos de los pioneros; ilusionistas que empezaron a aplicar sus conocimientos en el cine ya a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. El stop trick, fue una de las primeras técnicas, que consistía en parar la cámara, hacer desaparecer un objeto, y volver a grabar, creando así una ilusión óptica. 

En la Filmoteca de Catalunya se organiza una sesión para los alumnos de Ciclo Inicial y Ciclo Medio de Primaria en la que se habla sobre estos trucos, efectos y su evolución a través de algunos fragmentos cinematográficos: 

1- Dislocation mysterieuse, de GEORGES MÉLIÈS, Francia 1901. 

Un film que resume perfectamente bien las capacidades de este genio, que no podía dejar de plantear nuevas técnicas y maquinar ideas después de ver el cine de los HERMANOS LUMIÈRE. En él vemos como este payaso se separa de sus miembros. 

MÉLIÈS utiliza el recurso de sustitución de elementos a través del parado de la cámara,la doble sobreimpresión en los negativos y los fundidos a negros y sobre negros. 

2- Symphonie Bizarre, de SEGUNDO DE CHOMÓN, Francia 1909.

https://www.youtube.com/watch?v=E_5KMGusxc0

CHOMÓN (Nombre que además recibe una de las salas de la Filmoteca) también se sintió atraído por el cine una vez vio a los LUMIÈRE. Tras descubrir el cinematógrafo, se encaminó a un largo e interesante viaje por el mundo del celuloide. 

En este video que adjunto, podemos ver hasta qué punto fue capaz de llegar gracias a su técnica y minuciosidad. Sus habilidades hicieron que se le comparase al mismo MÉLIÈS, e hicieron también que fuese contratado por la productora más improtante del momento: Pathé Frères.  

Los alumnos entendieron en este punto que el cine nació sin voz y sin color, y que éste último se incorporó y se estandarizó mucho después pese a que ya se habían rodado algunas películas y fragmentos en color gracias al proceso Technicolor. No obstante, en obras tan primogénitas como las de CHOMÓN (en los originales que dispone el archivo de la Filmoteca), se puede ver en color porque sus autores pintaban el celuloide con tinturas en base a anilina... pintadas fotograma a fotograma! 

3. L'ogre, de WALTER LANTZ, EUA 1924. 

No he conseguido encontrar el video: que narra una divertida historia entre un ilustrador y una serie de personajes animados llenos de humor e imaginación. Se llama El ogro porque hace alusión al cuento de las habichuelas mágicas de HANS CHRISTIAN ANDERSEN. 

A través de este material, fue importante también trabajar con los pequeñajos la contraposición entre la animación y la realidad y la contraposición entre el bien y el mal a través de los personajes y sus comportamientos.  

4. Pagan Moon, de RUDOLS ISING, EUA 1932. 

Un divertido musical de animación, lleno de ritmo y humor. Retomando el mito de ORFEO, el pequeño personaje que encontramos en este film, vemos cómo hace bailar a todo el mundo con sus canciones. La pérdida de su guitarra le hará vivir una aventura detrás de otra. 

A través de este video, en cambio, se trabajó la unión entre las palabras y la imagen en el cine y el gag como recurso para provocar risa pese a que las situaciones que se presentan sean irreales  o accidentes, al igual que en la siguiente película... 

5. Le petit mecano, de DAVE FLEISCHER, EUA 1936. 

... Donde un niño, muy traviso, tiene una afición especial por conducir trenes, y así, desafiando a las propias normas y su seguridad, se decide a conducir uno de verdad, enfrentándose entonces a una situación muy peligrosa, pero también muy divertida! 

Resulta curioso como un gag, colores, y personajes de animación divertidos, parecen solucionarlo todo! Pongámosle a nuestra vida entonces escenas cómicas, color, mucho color, y personajes animados (con muermos es más difícil)...